描绘“那一刻” 琼·米歇尔

画家琼·米歇尔(Joan Mitchell (1925-1992 )一直被誉为一股强大的创作力量。她先是在20世纪50年代的纽约,在男性占主导地位的抽象表现主义圈子里获得了评论界的好评和成功,然后在法国度过了30多年,创作了具有活力和色彩的独特抽象画,描绘了风景、记忆、诗歌和音乐。

Joan Mitchell基金会与巴尔的摩艺术博物馆合作,在SFMOMA世界首展,是一个全面的回顾展,展出了80多件杰出的作品。这次展览包括了Mitchell早年很少见到的奠定其职业生涯的绘画和素描,以及她晚年的大型多联画杰作,展示了她对色彩的掌握。绘画、速写本和素描,以及富有启发性的艺术家信件和精选照片,为我们打开了一扇新的窗口,让我们了解米歇尔具有深远影响和突破障碍的,创作实践中展露出来的丰富性、范围和雄心。

▲Joan Mitchell, City Landscape, 1955; collection Art Institute of Chicago;

©Estate of Joan Mitchell; photo: Aimee Marshall

▲Joan Mitchell, To the Harbormaster, 1957; private collection;

©Estate of Joan Mitchell; photo: Tony Prikryl

▲Joan Mitchell, My Landscape II, 1967; collection Smithsonian Museum of Art;

▲Joan Mitchell, Sans neige, 1969; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, gift of the Hillman Foundation; ©Estate of Joan Mitchell

▲Joan Mitchell, Belle Bête, 1973; private collection; ©Estate of Joan Mitchell

▲Joan Mitchell, Bracket, 1989; The Doris and Donald Fisher Collection at the San Francisco Museum of Modern Art; ©Estate of Joan Mitchell

这场展览由萨拉·罗伯茨(Sarah Roberts)和凯蒂·西格尔(Katy Siegel)策划,还将前往协办这次展览的巴尔的摩艺术博物馆(Baltimore Museum of Art),以及巴黎的路易威登基金会(foundation Louis Vuitton)展出。

1950年,琼·米歇尔(Joan Mitchell)完成了《人物与城市》(Figure and City)(下图)。在这幅画中,一个抽象的人物从画布上出现在一堆立方体形体中。在这一突破之前,米歇尔一直以半具象的方式工作,创作静物和城市景观,其中任何事物都可以被简化为几何形状。然后,在图形和城市之后,她进入到虚空的境界中,开始抽象探索。“我知道这是我画的最后一个人物,”米切尔在谈到《人物与城市》中的女性时说。“我知道它是。”

在之后的十年里,米歇尔逐渐完善了她现在所熟知的风格。她在50年代创作的许多油画作品都以令人眼花缭乱的笔触组合在鲜明的白色背景上为特色。米切尔总是确保她的颜料厚实,颜色纯净明亮。随着作品的累积,她使用的色调会越来越炽热,笔触有时会聚集在画布的中心,有时候又洒落四周。印象派和诗歌,自然萦绕在她的作品中——尽管它们的主题往往只有在标题中才会显露出来。

▲Joan Mitchell, Rock Bottom, 1960–61.

ESTATE OF JOAN MITCHELL/BLANTON MUSEUM OF ART, THE UNIVERSITY OF TEXAS AT AUSTIN

通常,抽象表现主义最伟大的捍卫者更喜欢一种被称为全面抽象的风格——杰克逊·波洛克的大量滴画,或者弗朗茨·克莱恩史诗般的、哀伤的黑白油画。然而,米歇尔的一些作品与这种风格不同,它们的核心是旋转的团块,似乎随着生命而振动。“克莱门特·格林伯格说永远不应该有一个中心图像,所以我决定尝试。”米歇尔曾说。

米歇尔的“中心形象”根据她的地点、她的心情和她的同伴而变化。但在她的全部作品中,树木是不变的元素之一。例如,在格兰德斯Carrières(1961-62)中,一幅由焦黄、薄荷绿和深蓝色混合而成的漩涡,若隐若现地呈现在观者面前,仿佛漂浮在上方,或伫然在眼前,凌乱的白色背景上滴着黄色的水花。

只有在进一步研究米切尔的全部作品后,人们才能发现作品图像演变的来源:巴黎Carrières的柏树,这是艺术家经常光顾的地方。

对米歇尔来说,树木是死亡的象征,是她所爱的人的替身。但观众并不一定只通过观察就知道这一点。在抽象表现主义时代,内容被认为是过去式。形式——材料运用和结合的方式——被认为是做出艺术陈述的最重要的方式。米歇尔似乎在她的实践中认同了这一观点,但与她的一些伙伴不同的是,她也优先考虑视觉愉悦。

1990–91.ESTATE OF JOAN MITCHELL/COLLECTION OF JOHN CHEIM

米歇尔在她的职业生涯中经常回到两个广泛的主题:诗歌和自然,这两者都可以被视为与她的工作相关。前者从小就和米歇尔在一起。她的母亲玛丽昂·斯特贝尔(Marion Strobel)本身就是一位诗人,也是《诗歌》杂志的编辑。当米切尔10岁的时候,她的一首诗被印在了那本杂志上,其中有这样的诗句:“生锈的树叶嘎吱作响,/蓝色的雾霾悬挂在昏暗的天空,/田野被晒黑的秸秆缠绕着——/风匆匆而过。”

自然也在她的作品中出现,无论是静物还是抽象的风景。“人类建造了一座城市”;她曾在给桑德勒的一封信中写道。“我把这一切都看作是自然。我只看我所看到的。”无论是从纽约公寓的窗户看到她在画桥梁,还是在法国北部看到充满活力的风景,米歇尔总是用赞赏的目光看着周围的环境。

许多人把米歇尔的作品比作印象派,这是一个恰当的比较,因为她花了大量的时间在早期印象派运动中最重要的人物的历史足迹上。1959年,米歇尔在法国Vétheuil公社定居,克劳德·莫奈曾在那里工作过。就像莫奈的大教堂和花园一样,米歇尔的大型布面油画经常传达时间对自然的影响。

▲Joan Mitchell, Untitled, 1969. Oil on canvas, 102 1/2 x 184 1/2 inches (260.35 x 468.63 cm). Estate of Joan Mitchell.

文森特·梵高(Vincent van Gogh)的作品也在她的全部作品中占据重要位置。特别是在她职业生涯的后期,米歇尔使用了令人瞠目的黄色和蓝色阴影,她涂抹的厚厚的,使她的油漆保持厚实。还有在米歇尔的作品中反复出现的向日葵,尽管是以一种抽象的方式。例如,在《无题》(1969)(上图)这幅由三部分组成的画作中,一朵巨大的黄色花朵在中心冒出一团灰白色,它的花瓣呈现出黄色、紫色和蓝色的斑点。(米歇尔很有远见,经常需要站在后面才能看到她的画作的最大细节,隔着距离看它们往往能展现出以前看不见的精彩。)

▲Joan Mitchell, Weeds, 1976.ESTATE OF JOAN MITCHELL/ PHOTO IAN LEFEBVRE, ART GALLERY OF ONTARIO/HIRSHHORN MUSEUM AND SCULPTURE GARDEN, WASHINGTON, D.C.

尽管20世纪70年代的女权主义者试图重新想象米歇尔的艺术被讨论的方式,但艺术家本人最初对她应该被认为与她的男性同事分开的想法感到愤怒。1972年,馆长马西娅·塔克(Marcia Tucker)在纽约惠特尼博物馆(Whitney Museum)组织了一场米歇尔的艺术展览,米歇尔写道,她指的是自己,“琼觉得惠特尼小姐在利用她来推动妇女解放运动。”

她无惧尝试,她的作品具有无与伦比的美丽、力量和强烈情感。这本华丽的书讲述了这位艺术大师的故事,揭示了她扩展抽象绘画的方式,并阐明了对她产生影响的跨大西洋背景。丰富的插图涵盖了她所有的艺术实践,从她创作的表现20世纪50年代早期纽约的杰出画作,到她职业生涯后期在法国创作的雄伟的多幅作品。在这本书中,标志性的作品与罕见的画作、纸上作品、艺术家的素描本以及米歇尔的生活、社交圈和周围环境的照片都被放在一起展示。

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